Terroríficos abuelitos

¿Se imaginan ustedes una sesión doble, de esas que llenaban los cines de barrio antaño, que uniera El abuelo de Jose Luis Garci con el Alien de Ridely Scott? Es cierto que las películas del oscarizado director pueden llegar a producir las mismas terroríficas sensaciones que la más escalofriante de las novelas de Lovecraft pero, a priori, no parece una programación muy adecuada, más que nada por aquello de la coincidencia de géneros (aunque no se crean, que servidor ha llegado a ver una película de Bruce Lee junto a una de Bogdanovich, pero ésa es otra historia). Sin embargo, hay mentes, posiblemente en exceso calenturientas e imaginativas que no sólo son capaces de unirlas, sino de sacar fructífero partido de tan antinatura relación. El madrileño Carlos Vermut demuestra en Psico Soda que lo suyo es una mezcla acertada entre atrevimiento, respeto a los géneros y una buena ración de sanísimo gamberrismo descarado, un cóctel que realiza con precisión con tal de tener al lector desconcertado de continuo e indefenso ante sus propuestas. Partiendo siempre del respeto y conocimiento de los géneros, las historias cortas que Vermut recopila en este álbum dan siempre una vuelta de tuerca osada, creando un estilo argumental propio donde la sorpresa es la marca de la casa. Si a eso le añadimos un cuidado grafismo y un inteligente uso del cromatismo para crear atmósferas inconfundibles, el resultado es un recomendabilísimo álbum del que sólo se puede poner como pega que las historias cortas funcionan mejor en revistas por entregas, como fueron previstas originalmente. Recomiendo lectura a plazos para maximizar el disfrute.

Se espera con ganas su siguiente obra Sr. Vermut.

La burbuja de Bertold

Si nuestra sociedad no es más que un grupo de individuos controlados por las hábiles manos de un invisible titiritero del que no somos conscientes… ¿Cómo es posible inducir el cambio?¿se puede llamar a la rebelión desde la manipulación absoluta de la realidad?

El planteamiento es atrevido y, si se me apura, angustioso. En una sociedad ultramediática donde nuestras vidas son dirigidas, ¿cómo rebelarnos? La pregunta se la hacen Diego Agrimbau y Gabriel Ippoliti en La burbuja de Bertold, y dan una respuesta que acude a la propia manipulación del manipulador, a una paradoja que se basa en el llamamiento a la cultura como vehículo de combate contra la uniformidad de pensamiento. Los autores plantean un oscuro mundo orwelliano donde el control de una gigantesca burbuja de gas establece leyes y normas que, en su afán de control del individuo, castigan su infracción con la amputación de todos los miembros. El individuo que intenta dejar de depender del soma gubernamental queda reducido a un tronco pensante y sentiente, pero incapaz de moverse, obligado a depender totalmente de otros para existir. Bertold, condenado a esa atroz represión, encuentra una liberación en el teatro, en sus actuaciones callejeras, que le llevarán a unirse al teatro mecánico de Froilán, donde los actores son verdaderos títeres humanos. Conectado a una máquina que funciona con el gas que le causó su desgracia, sus movimientos son programados por un frío ordenador, dejándole la única libertad de recitar su papel. Pero es suficiente. Hace uso de la máxima brechtiana y entiende que el teatro y la cultura son grandes altavoces revolucionarios para pedir la transformación del mundo, para romper los esquemas preconcebidos del oficialismo. La paradoja no puede ser más evidente: el propio sistema que le condenó a la inmovilidad es el que le proporciona los medios para poder detonarlo desde dentro.

No se puede negar la ambición de los autores, La burbuja de Bertold en una compleja historia llena de referencias donde la ciencia-ficción se convierte en un contundente vehículo de denuncia social. Algunos podrán encontrar conexiones con la famosa saga cinematográfica de los Wachosky, pero la diferencia es simplemente abismal. Agrimbau ha construido una historia donde las referencias filosóficas y literarias son evidentes, desde Platón a las propias obras de Brecht (el hecho de que todos los protagonistas de las obras sean delincuentes dirige claramente a La ópera de tres peniques), pero dejando al lector la obligación de elegir y decidir. Y no se lo pone fácil: ¿dónde está el límite de lo bueno y lo malo? ¿Puede un asesino ser el líder de la revolución? Es evidente que Agrimbau quiere poner al lector ante dilemas que le obliguen a reflexionar profundamente sobre lo leído y, sobre todo, a cuestionar dogmas previos. Es posible que sea precisamente esa avidez la que provoque los mayores reparos que se pueden poner a este álbum: en su ansiedad por retar al lector, Agrimbau apenas esboza la sociedad opresiva contra la que Bertold se rebela, a lo que hay que añadir que la introducción de una historia de amor acelera excesivamente el resto de los planteamientos, hasta el punto de desdibujarlos en algunos momentos. Unos problemas que pueden ser derivados (o acentuados) por las restricciones propias del formato de álbum francés, que limita excesivamente la paginación cuando la historia pide a gritos muchas más páginas para ser desarrollada. A destacar, en cualquier caso, la excelente labor de Gabriel Ippoliti, espléndido en todo momento en la recreación de una atmósfera opresiva y agobiante, pero también brillante en la necesaria gestualidad de los personajes.
En cualquier caso, los problemas técnicos deberían dejarse en segundo plano: el simple hecho de que en esta sociedad de la inmediatez y lo superficial, unos autores apuesten por una obra que obliga a ese acto tan olvidado de pensar, es todo un oasis utópico a respetar y distinguir.
Un álbum a leer y debatir que hace esperar con muchas ganas la segunda entrega de Último Sur, la colección genérica de álbumes unitarios de estos autores donde está englobada.

FICHA TÉCNICA

La burbuja de Bertold, de Agrimbau e Ippoliti. Norma Editorial. Cartoné. 48 pa´gs. Color. PVP: 13€

ENLACES
Especial en la web de Norma
Avance de seis páginas en la web de Diego Agrimbau

 

Una nueva genialidad de Gipi

Pese a que sólo cuente con un puñado de obras en el mercado, el italiano Gipi ha conseguido que esperemos cada una de sus nuevas creaciones con impaciencia. Exterior Noche, Apuntes para una historia de guerra o S., han consagrado sin ningún género de dudas a uno de los autores más interesantes que ha dado la historieta europea en los últimos años, un ejemplar narrador que consigue obras de exquisita sensibilidad, pero que no eluden en ningún momento lúcidas y brillantes aproximaciones tanto argumentales como formales. Las expectativas sobre El local, su última obra publicada en España eran altísimas, exageradas a tenor de la imposibilidad manifiesta de mantener un nivel de calidad como el mostrado en sus dos anteriores -y magistrales- obras. Por eso, quizás, uno tiene una cierta sensación de decepción tras la lectura de esta obra, quizás porque esperábamos que el nivel de ascenso continuado siguiese ya en una inalcanzable progresión geométrica. Una exigencia injusta, porque la realidad es que, pese a que no sea una obra al nivel de S. o Apuntes..., El local es una creación de una calidad extraordinaria, muy por encima de lo que se está publicando en este momento.
Gipi se introduce en el mundo de la juventud, de las aspiraciones de jóvenes que ven el futuro más negro que nunca y que tienen tan sólo el pequeño espacio de un local de ensayos como zona de libertad absoluta. Con su ya habitual magisterio, Gipi crea personajes creíbles y cercanos que van derrumbando todos los tópicos con que la sociedad ve a la juventud. Hay una sensación de realidad palpable en sus personajes, en los que podemos encontrar esas personalidades de adolescente que están todavía a medio construir, que tienen todavía destellos de niño ingenuo, pero reflexiones y deseos de adulto. Contrastes, incoherencias, deseos, ideologías, actitudes, sentimientos y esperanzas se van mezclando a través de los integrantes de este grupo musical que, como siempre en la juventud, luchan entre la necesidad de romper con las generaciones anteriores y con la exigencia de integrarse plenamente en la sociedad al llegar la madurez, una lucha interna y externa perfectamente plasmada por el italiano, que borda de nuevo un relato coral donde lo sugerido se alza como perfecto eje transmisor de sentimientos y sensaciones. Una insinuación que, en este caso, toma forma especial con la música. Las canciones que ensayan en el local toman forma en cada final de capítulo, consiguiendo el milagro de transformar las preciosas acuarelas de Gipi, siempre en ese extraño y difícil equilibrio entre la rabia y la tranquilidad, en notas musicales que podemos sentir. Las colores y las líneas vibran y nos trasladan el ritmo y la melodía de las canciones de una forma tan vívida que, cuando pasamos página, seguimos canturreando la canción como si fuera parte indivisible del dibujo.
No es la mejor obra de Gipi, pero es un tebeo extraordinario, recomendabilísimo, que sólo tiene como pero el luchar contra la propia genialidad del autor, que ya nos está acostumbrando demasiado mal a obras excepcionales. La edición de sin sentido, como es norma de la casa, espléndida.

FICHA TÉCNICA
El local, de Gipi. Ediciones Sins Entido. 112 pags. Color. Rústica. PVP: 15€

La otra belleza

No se puede decir que el argumento de La otra belleza, de Marc Males, sea original. El planteamiento que afirma que la bella interior es la real es tan antiguo como el cuento de El patito feo, pero hay que reconocerle al autor que ha sabido englobar su discurso dentro de una estructura que sí es original, donde la belleza se entrecruza con la identidad. En el fondo, retoma el mito de La bella y la bestia, reencarnándolo en forma mortal y humana a través de dos protagonistas que huyen de su propio reflejo. Una mujer y un hombre que coinciden en un momento de su vida. Un juego de identidades desconocidas: ella busca en su reflejo a quien ha perdido; él quiere perder con su reflejo lo que fue. Historias condenadas a encontrarse que Males mueve con acierto, sobre todo en una primera mitad del álbum donde el ritmo casi de thriller consigue establecer una intriga que engancha en la lectura.
Buenos mimbres para una historia más que correcta, atractiva en muchos momentos, que tiene como principal rémora la previsibilidad que sobrevuela todo el relato. Pese al buen ritmo impuesto, pese a las buenas tramas que Males urde, es inevitable que la historia discurra por senderos bien conocidos y que difícilmente sorprenden.
En cualquier caso, un álbum que proporciona una lectura más que recomendable en la que destaca la excelente labor gráfica de Males, con un dibujo de claroscuros marcados que acompaña perfectamente a la historia y un ritmo narrativo perfectamente estudiado, pleno de acertados juegos simbólicos (a destacar ese continuado doble plano de la protagonista, que siempre se enfrenta a un reflejo de sí misma o la ausencia de la iamgen del locutor Lloyd Goodman, dos recursos narrativos plenamente lógicos y coherentes con la historia que cuenta). La edición de Rossell, impecable.

FICHA TECNICA

La otra belleza, de Marc Males. 128 pásg. Cartoné. BN. 15€

Más información, en su web.

Encanto minimalista

Es curioso que Ulf K haya elegido como nombre para el protagonista de su obra el de Hieronymus Bosch. A primera vista, no se me ocurre nombre más opuesto al estilo del alemán, pero a poco que uno piensa un poco, comienzan a aparecer similutudes. Es cierto que, si pensamos en su obra más conocida, existe una apariencia de antítesis total con los planteamientos de la obra de Ulf K, pero si se hace un recorrido por el resto de su obra, observamos que sus figuras se humanizan y son vulnerables, seres que revelan sus sentimientos y sensibilidades. Una fragilidad que permite romper las apariencias y entender que ese surrealismo incipiente de El jardín de las delicias se une a la humanidad de sus retratos para crear a este Hyeronimus B que protagoniza el álbum editado por dibbuks. Una obra donde el autor busca, simplemente, plasmar una poesía en imágenes sobre la endeble naturaleza del ser humano, que precisa jugar con lo imposible para evadirse de la realidad. Las historietas que componen el álbum parten de la figura del oscuro funcionario de la interminable Biblioteca de Babel, en una surrealista búsqueda con claras influencias del Julius Corentin Acquefacques  de Marc-Antoine Mathieu que perderá rápidamente para encontrar un camino propio, en el que su protagonista busca encontrar las motivaciones esenciales de la evasión. Ulf K se introduce en los sueños y aspiraciones esenciales del ser humano, en esa materia que compone los sueños infantiles que nos llevan a aspirar volar sobre nubes o conocer a los habitantes del cielo estrellado.
Historias preciosistas y sencillas, que consiguen evocar la felicidad con un minimalismo demoledor, sintetizando todo su mensaje en ideas y conceptos puros a los que el lector se somete desde la primera página.
Un libro encantador.

FICHA TÉCNICA

Hieronymus B. (1997-2007), de Ulf K. Dibbuks. BN. Cartoné. 64 pa´gs. 12€

Matado

Tras pasar la última página de Matador, lo primero que se le pasa a uno por la cabeza es pensar en la cantidad de trabajos agradables y maravillosos que podría desarrollar  Devin Grayson, en los que con seguridad podría brillar e incluso tener fama, quién sabe, sin necesidad de aguarnos el disfrute del trabajo de un historietista tan excepcional como Brian Stelfreeze. Porque pese a que el dibujante pone toda la carne en el asador y consigue páginas de una plasticidad narrativa  apabullantes, el guión de Grayson es tan absurdo y rebuscadamente insulso que no hay por dónde coger este tebeo. El planteamiento argumental prometía: una historia policiaca enmarcada dentro de las guerras de bandas cubanas de Miami. Contaba, además, con un elemento diferenciador cuanto menos  curioso: un asesino cantante que ejecuta sus víctimas en cuidadas coreografías musicales. Un punto de partida que, con muchos referencias, me hizo pensar automáticamente en esa maravillosa serie de los 80 que fue El Detective Cantante. Un agradable recuerdo que favorece cierta predisposición a la lectura del tebeo, pero que se desvanece en apenas unas páginas. Por desgracia, Grayson ni se acerca a la suela de los zapatos del gran Dennis Potter y todo lo prometido se queda en una absurda secuencia de Deus Ex Machina que llegan al ridículo.
Si el dibujante de este engendro hubiese sido un dibujante del montón, Matador engrosaría sin más la larguísima lista de tebeos infumables que alimentan las novedades mensuales, pero desgraciadamente, cuenta con uno de esos dibujantes que hay que seguir siempre fielmente: Brian Stelfreeze. Pese a las incongruencias y absurdos del guión, Stelfreeze da un recital narrativo simplemente espectacular. De escenas que en manos de otro podrían ser ridículas caricaturas, en las suyas se convierten en impresionantes coreografías visuales. Las apariciones de Matador son secuencias donde el ritmo gráfico se transforma en música, pudiendo llegar a sentir los compases, la “banda sonora” de la historia. Cuando Grayson plantea una rutinaria escena policiaca, Stelfreeze se encarga de arrancar tensión y fuerza de donde no hay nada.
Simplemente con que el guión hubiese sido rutinario, de oficio, Matador sería uno de esos tebeos con los que el aficionado a la narrativa gráfica disfruta cada  viñeta. Por desgracia, la realidad es muy distinta y cada ejercicio de estilo del dibujante sólo hace que recordarnos la triste mediocridad de un guión ramplón que no sabe qué hacer con las ideas que plantea. Lo peor de todo esto es que Grayson es peligrosamente reincidente, sólo hay que recordar la nefasta miniserie de Vertigo USER, que conseguía que dibujantes de la talla de Sean Phillips y John Bolton naufragaran en una historia sin pies ni cabeza.
Para incondicionales de Stelfreeze. Se recomienda, eso sí, antes de su lectura, abastecerse de muñecos vudú o velas negras para desearle después a Grayson una grata y fructífera vida fuera del mundo del tebeo.

Lavadoras entrañables

Cuando uno ya lleva demasiadas lecturas a las espaldas, como le pasa a un servidor, pierde la capacidad de sorpresa. Es un mal terrible, deprimente, que hace que casi todo lo que llega a tus manos te proporcione la desagradable sensación de “esto ya lo he leído”. Uno añora esa capacidad de descubrir cosas nuevas, de encontrar autores o estilos distintos. Recuerdo con cariño nostálgico de abuelo cebolleta esos tiempos en los que leías un artículo de algún sesudo teórico y, pese a no estar de acuerdo con su formas o actitudes, la reacción inmediata era “tengo que leer esto”. ¡Ay! ¡Qué días aquellos!

Es verdad que el manga (y, en general, el tebeo oriental) ha conseguido sacarme de ese tedio que últimamente dominaba mis lecturas, pero hasta los asiáticos llegan a veces a quedar contagiados de esa uniformidad patológica que afecta  de forma globalizada a todo el mundo. Una sensación que debería tener siempre excepciones en los autores más jóvenes, que deberían osar siempre romper con la tradición establecida. Con todos sus errores y falta de dominio de la técnica que se quiera, un autor novel tiene casi la obligación de surcar el camino de la osadía, del terrorismo creativo buscando nuevos y arriesgados caminos. Sin embargo, estas épocas de globalización logran homogeneizar hasta el rupturismo creativo. Ahora ves miles de Basemans, cientos de Peteers , decenas de Sfars… Lo lees, piensas “no está mal, no está mal, pero… se parece a tal”. Terrible sentencia que te vuelve a llevar a ese punto de atonía a la hora de leer un tebeo, refugiándote en los clásicos y en aquellos autores consagrados que, aun sabiendo que no te sorprenderán, no te fallarán.

Afortunadamente, hay remedio para este mal: el pequeño puñado de autores que siguen manejando un lenguaje y universo propio que los hace rabiosamente diferentes a todos lo s demás. Una cura momentánea a la que se añade el nombre de una debutante: Clara Tanit Arqué, que acaba de publicar Wassalon, el primer recopilatorio de una obra tan particular  como fascinante. En sus historias veremos lavadoras humanizadas o extraños pero entrañables muñecos de peluche, que protagonizan escenas en las que la ternura más íntima se codea con lo cruelmente insólito. Relatos de apariencia ingenua y naif que esconden reflexiones improbables sobre unas relaciones entre humanos que se ven reemplazados por objetos inertes. Contraste entre vitalidad e inmovilidad, entre lo inanimado y lo sensual, que surge como perfecto marco para hablar de sentimientos y sensaciones.

Un tebeo sorprendente, que provoca reflexiones y sensaciones a cada viñeta, seduciendo a nuestro niño interior para, agazapado allí como un virus traidor, mutar y lanzarse directamente contra nuestro intelecto, indefenso, que deberá preguntarse obligatoriamente por las cuestiones que la autora plantea.

Apunten el nombre de su autora: hay que seguirlo a partir de ahora.

FICHA TÉCNICA

Wassalon, de Clara Tanit-Arqué. Astiberri. 96 págs. Bitono. Rústica. PVP: 14€

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El blog de la autora

París, París... y el estrangulador

Me atrevería a decir que Jacques Tardi sólo tiene dos obsesiones: París y el folletín. Es cierto que la primera guerra mundial ha sido tema reiterativo en muchas de sus obras, pero su tratamiento más “serio” y comprometido le resta la frescura y el sanísimo punto de sarcasmo continuado que imprime a otras obras, desde la maravillosa saga de Adéle Blanc Sec (esperando estoy su nueva entrega) hasta sus siempre interesante aproximación al polar, el género negro “a la francesa”. Si Adèle es la mejor plasmación de su amor por el folletín, sus historias de género, ya sea con Leo Malet o con Manchette, son un homenaje irredento a París, que se erige en el gran protagonista de las obras, omnipresente en unos cuidados escenarios que forman ya parte de su estilo. Sólo hay que fijarse en su puesta en escena para darse cuenta de la importancia que adquiere la ciudad, con encuadres repetidos donde la figura humana queda relegada a un segundo plano, cediendo la palabra a las calles y recovecos. Es posible que, para muchos, la narrativa de Tardi sea rutinaria y falta de garra, en exceso clónica. Y es indudable que así es a primera vista pero, a cambio, consigue dar sentido al concepto de historieta urbana, yendo más allá del simple cuidado en la documentación, consiguiendo que la ciudad sea un personaje más de sus obras, dotándolas de un estilo inconfundible.
Sin embargo, es curioso cómo su amor por el folletín, eje básico de toda la saga de Adèle Blanc Sec, y el polar, han discurrido en caminos paralelos, influidos entre sí y con préstamos continuados, pero separados. Extensas trayectorias que se unen por fin en El Secreto del Estrangulador,  todo un ejemplo de la inmensa capacidad de Tardi para reelaborar una novela de género de Pierre Siniac en un homenaje irredento a los mecanismos del folletín decimonónico que empapan las historias de Adèle Blanc Sec. Y lo hace, además, con su habitual sarcasmo e ironía, casi autoparódico, que en este caso se plasma en una divertida y lúcida reflexión sobre el propio mecanismo interno del ser humano que le lleva a apasionarse con el morbo folletinesco. Una inmersión en el proceso de creación de un asesino en serie que juega con todos los tópicos del género para reescribirlos y darles una nueva perspectiva.
Por desgracia, en la edición española se pierde una parte importantísima de la obra, que no sólo está concebida en sus contenidos, sino también en su forma. Originalmente, El secreto del estrangulador apareció como cinco entregas mensuales en formato periódico sensacionalista, que iban dando cumplida cuenta de las noticias relacionadas con los terribles asesinatos del estrangulador. En ese formato, Tardi consigue redondear un juego de espejos completo, en el que forma y fondo se interralacionan entre sí para engañar al lector totalmente. Norma editorial ha optado por publicar en España la edición recopilatoria que acaba de sacar Casterman en Francia. Una edición cuidada y de gran calidad, con la que se puede gozar muchísimo de la obra, pero que no permite obtener el 100% de lo buscado por el autor en esta magnífica obra. Atentos a los finales “extra”, divertidísimos (eso sí, lo de dejarlos sin guillotinar para que el lector los abra, una chorrada inmensa por parte de los autores).

FICHA TÉCNICA
El secreto del estrangulador, de Tardi y Siniac. Norma Editorial. Cartoné. 96 págs. BN. 15€

Corea mon amour

Más o menos la cosa es así: manga si son japoneses, manhwa si son coreanos y manhua si son chinos. Y, con seguridad, los países orientales faltantes en este corto listado disponen de algún término comenzado en “man” y acabado en “a” que identifica unívocamente lo que todos conocemos como tebeos. Cosas de la globalización, que nos obliga a ponernos al día de esto de los idiomas, ya se sabe. El caso es que, por desgracia, solemos meter en el mismo saco a todo tipo de tebeos que provengan de países asiáticos, en muchos casos un único saco de ignorancia o, peor, de desprecio peyorativo, olvidando que la única causa común que tienen todos ellos es la de la historieta. Pero si conseguimos saltar la terrible y espinosa empalizada de los prejuicios, lo cierto es que el invasor tebeo asiático es un excelente escondrijo de autores sorprendentes y de nuevas ideas. Es más, si nos centramos un poco, pronto veremos que las diferencias entre los diferentes países son profundas, desde las propias temáticas hasta los recursos narrativos usados.
Sirvan como ejemplo tres tebeos coreanos recién llegados a nuestras librerías. El primero, publicado por La Cúpula, es Gato Z de Byun Ki-hyun, una curiosísima revisión de los mitos infantiles. El autor juega con el lector a través de un extraño personaje, disfrazado de un popular héroe de tebeos infantiles, el superhéroe Gato Z, pero del que descubriremos poco a poco que quizás esconde secretos muy poco comunes a los trabajadores disfrazados de los parques de atracciones. El segundo, también publicado por La Cúpula, La luna entre las nubes, de Park Heun-Yong es el clásico relato oriental de la formación del espíritu a través de las enseñanzas de un viejo luchador ciego (con referencias obvias a al Zatoichi de Kitano). Por último, El Gran Catsby, de Doha (Glénat ediciones) es una reescritura de la inmortal obra de Scout Fitzgerald en términos modernos y… gatunos. Tres obras muy diferentes, pero que coinciden en marcar acusadas diferencias respecto al manga, tanto desde sus aproximaciones temáticas como formales. Así, en los tres casos encontraremos una narrativa muy distinta a la que estamos habituados. Frente a la exageración “decompresiva” del manga, con largas e interminables escenas que se suceden a lo largo de decenas de páginas, el manhwa resulta mucho más cercano a la historieta occidental, con escenas más cortas y una narración más sintética, pero que se diferencia de ésta por un ritmo casi sincopado, en el que el relato se corta de forma abrupta para seguir después sin apenas cambios. Acostumbrados a una linealidad atávica en nuestra historieta, estos cambios imprevisibles son muchas veces complejos de seguir para el lector occidental, que debe esforzarse por entrar en historias donde se requiere una colaboración mucho mayor por su parte. Un esfuerzo al que hay que añadir una mayor oscuridad temática, mucho más tortuosa en sus planteamientos, a veces imperceptible.
Buen ejemplo puede ser la segunda de las obras comentadas, donde la relación entre el joven e impetuoso Kyonju y el ciego Hwang Chong-ha se va construyendo en segundos planos, a partir de las reflexiones de los protagonistas derivadas de episodios aislados. No hay miedo a la ruptura de las líneas temporales y lógicas, pero tampoco a planteamientos complejos. Las referencias a Zatoichi pueden parecer obvias, pero pronto se diluirán ante una separación profunda entre concepciones.
Por su parte, Byun Ki-hyun va jugando con el lector, ocultándole la realidad de Gato Z y dejando pistas que pueden ser tan evidentes en unos casos como absurdas en otros, en un continuo zarandeo del lector entre realidad y ficción que consigue lo increíble: la tensión de un relato de intriga a partir de un personaje que no deja de ser un peluche gigante. Un cuidadísimo dibujo es además perfecto vehículo de contraste, recordando a veces los irónicos planteamientos de Michael Paulus.
Quizás en ese sentido el más próximo a la concepción temática y argumental occidental sea Doha, que transforma al millonario Jay Gatsby y la joven Daisy en el mísero Catsby y la bella Persu, dos jóvenes gatos humanizados que, como los protagonistas de la novela, tienen que vivir una historia de amor imposible. Si Daisy caía en los brazos de Buchanan, Persu hará lo propio en los del temible Hound, creando el escenario perfecto para un drama sobre la soledad y el amor, pero que es capaz abordarse conjugando una puesta en escena minimalista con un cuidado dibujo caricaturesco. Doha se revela como un perfecto catalizador de sentimientos y sensaciones, que son explorados con ternura y amabilidad, pero sin evitar caer en la dureza en muchos momentos.
Tres tebeos muy diferentes, pero que dan una excelente muestra de las ricas diferencias entre culturas que se trasladan, lógicamente, a la forma de entender la historieta.

¿Oliver Pendragon o Arturo Twist?

Es curioso que la imagen que se tiene de toda la nueva generación de autores que ha renovado la BD francesa en los últimos años. Generalmente, se suele identificar a estos autores con un tipo de historieta intimista, de corte autobiográfico, muy en la línea de uno de los grandes inspiradores de ese movimiento, Edmond Baudoin. Sin embargo, a poco que se estudie la obra de autores como Sfar, Trondheim, Larcenet, Peeters o Blain lo que encontramos es, paradójicamente, una reivindicación de los géneros clásicos, con una aproximación renovadora y sin prejuicios. Una perspectiva diferente que ha supuesto un soplo de aire fresco necesario y obligado tras una época en la que la historieta francobelga se ha adocenado en una interpretación repetitivamente claustrofóbica de los géneros. Hoy es imposible entender la historieta francesa sin estos autores y la influencia de obras decisivas como La Mazmorra, Lapinot, Isaac el pirata, etc.

Dentro de esta línea de renovación se puede encuadrar perfectamente el primer volumen de Capuchino, de Florence Dupré La Tour, justa seleccionada para los “Esenciales” de Angouleme este año. La autora parte de la mitología artúrica para sumergirse en el mundo dickensiano, contando la venida a menos del joven Capuchino, otrora hijo de uno de los caballeros de la Mesa Redonda y denigrado a simple ladronzuelo que debe buscarse la vida como soldado a las órdenes del terrible Boca de Oro. Una historia plena de influencias literarias de la novela de caballerías, pero que logra encontrar un camino de originalidad sorprendente al jugar con los recursos y formas del relato victoriano, en un devenir constante entre Oliver Twist y Steinbeck. Un atrevimiento argumental que permite contemplar con indulgencia ciertos golpes de irregularidad, sobre todo si añadimos el desparpajo gráfico con el que trata la obra. Seguidora fiel del estilo de Sfar (no en vano ha trabajado en la animación de Petit Vampiro), se permite licencias tan extravagantes a priori como mezclar el impacto cromático del pop-art más propio de autores como Pellaert con el estilo de niños de ojos grandes del manga o, incluso, versiones irónicas de referencias publicitarias tan obvias como los Little Pony.

Audacias e insolencias sumadas para lograr un atractivo indudable, donde los adjetivos original, sorprendente, descarado o innovador aparecen a cada página. Una serie a seguir.

FICHA TÉCNICA
CAPUCHINO 1. EL MAL CAMINO, de FLorence Dupré la Tour.
Norma Editorial. Cartoné. Tamaño: 17x24. 120 págs. Color.  PVP: 17€