Robín de los bosques

Manu Larcenet parece haberse especializado en la comedia a través de la “deslocalización” de personajes famosos. Si en su serie de “aventuras rocambolescas” lleva a Sigmund Freud al Far West americano o Van Gog se convierte en una suerte de agente secreto artístico, en La Leyenda de Robin de los Bosques encontraremos a un Robin septuagenario, con preocupantes síntomas de alzheimer, que sigue emperrado en robar a los ricos para dárselo a los pobres mientras un igualmente envejecido Sheriff de Sherwood intentará evitarlo. Lacernet estructura el álbum en historias cortas donde se va enfrentando a las artimañas del sheriff (que incluyen un delirante chantaje a Lord Greystoke) mientras, a la par, vamos conociendo el destino de sus compañeros de aventuras o a las artimañas. No se puede negar que el álbum tiene momentos divertidos, pero personalmente creo que abusa de la repetición de esquemas o, en algunos momentos, de tópicos previsibles. Un problema que, en cierta medida, se compensa por el amargo poso que dejan algunos de los chistes, que me atrevería a calificar de crueles. La mala leche concentrada se agradece, pero su mezcla con las situaciones tópicas parece no conseguir cuajar, resultando en un álbum donde la irregularidad se hace en ocasiones chirriante.

No está a la altura, ni mucho menos, de otras de sus producciones de humor, como las anteriormente citadas o la serie de Retorno a la tierra, pero hay que agradecerle ese intento de humor negro, negrísimo, que salpica casi todas las páginas del álbum.

Para incondicionales de Larcenet.

Valoración: (1)
(0): Malo. (1): Aprobado, legible. (2): Bien, aspectos interesantes. (3): Notable, interesante.(4): Excelente. Muy bueno. (5): Obra Maestra.

Ficha Técnica:
- LA LEYENDA DE ROBIN DE LOS BOSQUES, de Manu Larcenet. Norma Editorial. Cartoné Color. 12€

¿Cuatro?

Tras la decepción sufrida con Cita en París, tenía verdadero pánico a enfrentarme a ¿Cuatro?, final de la tetralogía de El Sueño del Monstruo, de Bilal. ¿Qué me iba a encontrar?

La respuesta, afortunadamente, es que la tercera entrega actuó tan sólo como una plataforma desde la que lanzarse, con más impulso si cabe, a la conclusión de su brillante reflexión.

Bilal se zambulle directamente en una narración sincopada, convulsa, en la que los tres protagonistas se van acercando a su esperado encuentro final, tejiendo una tupida tela en ese camino en el que las hebras dispersas se van uniendo. Religión, arte y guerra se hermanan en una partitura común, en la que los tres hermanos-amantes, símbolos de las etnias que protagonizaron la guerra yugoslava, deambulan como marionetas impulsadas por un ignoto creador. Warhole-Rawhole, el hombre de los infinitos acrónimos transmuta en un creador caprichoso que juega con los seres humanos con el planeta y la sociedad entera como inmenso lienzo. Las guerras no son más que obras de arte, inmensos cuadros pintados con sangre humana para divertimento de unos dioses que son simples invenciones del ser humano. Una pescadilla de alcance universal que se muerde la cola en una continuada psicosis colectiva, donde sólo el ser humano es capaz de parar la locura.

En un despliegue de simbolismos anidados, cada pulsión visual se traduce en un mensaje, en una reflexión profunda y cortante sobre la incapacidad del ser humano para distinguir entre la creencia y la realidad. El caleidoscopio de imágenes que Bilal plasma en ¿Cuatro? actúa como una luz estroboscópica que, súbitamente, ralentiza las imágenes y consigue paralizarnos en su contemplación, completamente fascinados en su visión mientras nos bombardera a mensajes subliminales. La animalidad liberada del ser humano, la lujuria del aislamiento, la ciencia como expositor de un arte clónico… Ideas que van tomando forma hasta ese final ecuménico en el que el autor plantea la demoledora dicotomía del ser humano: incapaz de vivir junto a sí mismo, siempre esperando su reencuentro.

¿Cuatro? consigue cerrar el círculo, volver a una trilogía en la que se me escapa la función de distracción del tercer volumen. Se me ocurre quizás que la constante búsqueda simbólica de Bilal le obligaba a llevar su aventura hacia su mismo continente. Si la trinidad se convierte en cuarteto, es obligado que exista una cuarta parte. Pero al igual que el cuarto componente del grupo es errático y misterioso, la tercera entrega lleva al artista/monstruo a París, la ciudad luz, la urbe hermana de la multiétnica Sarajevo, alma de todo el relato de Bilal. Una pieza fuera de lugar que da sentido a los interrogantes del título, formando un triángulo de cuatro lados, Amir, Nike, Leyla y Warhole que se aposenta sobre un eje imaginario que une Sarajevo y París.
Una obra que obliga a mil lecturas y otras tantas interpretaciones diferentes. Todas apasionantes, todas crípticas, todas poliédricas.

Fascinante.

Valoración: (4)
(0): Malo. (1): Aprobado, legible. (2): Bien, aspectos interesantes. (3): Notable, interesante.(4): Excelente. Muy bueno. (5): Obra Maestra.

Ficha técnica
- ¿Cuatro?, de Enki Bilal. Norma Editorial. 64 págs. Color. Cartoné. Precio: 16 €

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Alex de la Iglesia dirigirá La Marca Amarilla

Siguen las adaptaciones de tebeos franceses al cine. El año pasado ya se habló largo y tendido sobre la posible adaptación de La Marca Amarilla, la clásica aventura de Blake & Mortimer. Un proyecto que parecía cristalizar los muchos anteriores de llevar a la gran pantalla la gran creación de Jacobs (del que se había llegado a hacer un corto en 1983), pero que terminó, desgraciadamente, frustrado.
El proyecto vuelve a renacer, esta vez de la mano del director español Alex de La Iglesia, que ha anunciado su intención de realizar esta adaptación en Cannes. Una obra que le viene como anillo al dedo y que entronca perfectamente con su viejo anhelo de adaptar las novelas de Sax Rohmer. Las aventuras de Blake & Mortimer le permitirán retomar en cierta medida esa ambientación de los pulps de principios de siglo, de aventuras a la "vieja usanza" llenas de intrigas.

Pierre Vernier e Yves Brainville como Blake y Mortimer en el
corto de 1983 dirigido por Michel Marin

Planetary

Hace apenas un mes, cuando comentaba Nextwave, decía yo que Warren Ellis era un guionista demasiado preocupado por la provocación gamberra pero que, cuando conseguía olvidarse de ella, podía llegar a ofrecer obras realmente sugerentes.  Buen ejemplo es Planetary, que acaba de publicar en un lujoso volumen recopilatorio Norma editorial y que permite comprobar hasta dónde es capaz de llegar este hombre cuando quiere.
Ellis desarrolla un entregado homenaje a las bases de la cultura popular del siglo pasado, compartiendo en cierta medida objetivos con la línea ABC de Alan Moore, pero planteando su obra desde una perspectiva más centrada en la historieta, intentando establecer un discurso que la use para vertebrar, en cierta medida,  las expresiones más importantes de la cultura popular del siglo XX: cine y literatura popular, el pulp. Una línea que se establece en ese primer episodio en el que, como contundente declaración de intenciones, presenta un encuentro entre sus personajes y clásicos como El hombre de Bronce,
La Sombra o Fu-Man-Chú, que abrirá el camino para que, en cada número, se homenajee expresamente una forma cultural. El cine de monstruos japonés, las películas de ciencia ficción de serie B, las series de pulp o la literatura de principios de siglo irán creando un caldo de cultivo perfecto para que después lleguemos a una revisión del mito fundacional del grupo de superhéroes por excelencia, los Cuatro Fantásticos, que servirá a su vez de base para el hilo conductor de toda la historia. Ellis, avispado como pocos, entreteje aquí lo clásico con la actualidad, planteando un argumento “conspiranoico” que le permite jugar con los contrastes entre la ingenuidad de aquellas historias con la moda narrativa hoy en día, pudiendo explayarse a gusto en sus habituales excesos de personajes chulescos y violencia, pero sin que chirríen demasiado con el planteamiento básico de la historia.
Si Moore planteaba en su línea ABC la ruptura con las modas actuales y la vuelta a los modelos superhéroicos de los años 40 o 50, Ellis consigue en Planetary integrar la inocencia de aquellos planteamientos dentro de una línea evolutiva natural, que lleva de aquellos héroes de sonrisa imborrable a los más oscuros y siniestros que pueblan hoy la oferta de las editoriales. Lo que para Moore es una decadencia del género, para Ellis es el resultado del progreso de un género que vive pegado a la evolución de la sociedad, reencarnada en el personaje de Elijah Snow, esencia del siglo XX.
Una obra realmente sugerente que cuenta además con el atractivo de la labor de John Cassaday, un gran dibujante, pero en exceso lastrado por unos planteamientos narrativos muy simples que iban en contra de su minucioso estilo, restándole dinamismo a la narración. En este caso, Cassaday va ensayando diferentes formas artísticas, compositivas y narrativas, siempre relacionadas con el homenaje que protagoniza cada número, que van alimentando y enriqueciendo su propio estilo. A medida que avanzan las páginas, el estilo del dibujante se hace cada vez más meticuloso y detallista, pero integrado dentro de unas composiciones que llevan el peso dinámico de la página. La dualidad narrativa marcada por la composición de página y la puesta en escena de viñeta funciona a la perfección y consigue momentos realmente brillantes.
Una obra a leer, exquisitamente editada por Norma.

Valoración: (3)
(0): Malo. (1): Aprobado, legible. (2): Bien, aspectos interesantes. (3): Notable, interesante.(4): Excelente. Muy bueno. (5): Obra Maestra.

Ficha técnica
- Planetary, de Warren Ellis y John Cassady. Norma Editorial. 128 págs. Color. Cartoné. Precio: 26 €

Más información, aquí.

El gato del rabino, al cine

Parece que no sólo los superhéroes serán los protagonistas de las grandes producciones cinematográficas. La excelente acogida que ha tenido en Cannes la versión animada de Persépolis, de Marjane Satrapi, ha animado a más autores de la "nouvelle BD" a dar el salto y el próximo será, nada más y nada menos, Joann Sfar, que ha anunciado el proyecto de llevar a la gran pantalla, también en una película de animación, El gato del rabino, una de sus mejores obras. La película será producida por la sociedad Autochenille Production, una nueva productora creada por el propio autor, Clément Oubrerie y Antoine Delesvaux.
De esta forma, Sfar mantendrá un completo control sobre la adapatción, un aspecto que parce fundamental habida cuenta de la complejidad de esta gran obra, que transita con igual fortuna por la reflexión sobre las religiones que por la ficción más imaginativa.
Un interesantísimo proyecto.
Noticia vía ActuaBD.

Enlaces: información sobre la edición en castellano de El Gato del Rabino.

Pereza

ATENCIÓN: esta reseña contiene información que puede desvelar partes de la trama de la obra.

«Acepte mis disculpas Sr. Hernández. Estaba yo poco motivado para leer este Pereza que publicó usted con Vertigo, debo reconocérselo. Más que nada, porque sus anteriores obras no me habían dejado un sabor de boca especialmente agradable. Estará usted conmigo en que su anterior colaboración para el sello adulto de la DC era…¿cómo decirlo sin que se moleste...? Un pelín confusa, dejémoslo así. Si a eso le sumamos que las últimas entregas de Palomar hacían añorar los comienzos de la serie, supongo que entenderá mi estúpido prejuicio hacia esta nueva obra. Pero una vez leída, le ruego perdone mi atrevimiento, que ya se sabe que suele ir unido a la ignorancia. Le felicito por haber hecho una obra tan maravillosa.
Atentamente, Álvaro»

Sí amigos y amigas, sí. Por mucho que se diga, los prejuicios son necesarios. En este mundo de tebeos inundando las estanterías de las librerías, si no los aplicásemos, ¿cómo seleccionaríamos? Cada uno los aplica, eso sí, según sus propios criterios, tan complejos en algunos casos que parecen antiguos ritos arcanos, tan simples en otros como el mecanismo del botijo.  Pero su propia utilidad esconde su peligro: nos evitan pensar demasiado y logran muchas veces que perdamos por el camino algo que pudo ser increíble.
A mí casi me pasa con Pereza, la última obra de Gilbert Hernández. Pensando que su carrera ya estaba cuesta abajo, pensé que quizás pudiera ser prescindible de la lista de la compra. Sin embargo, gracias a la insistencia de mi –bendito- librero, cuando llegó el pedido de americano, Sloth (que así se llama en la lengua bárbara), cayó en mi bolsa.
Y qué pedazo de tebeo, señores, qué pedazo de tebeo.
El Beto se permite demostrarnos con una facilidad aplastante la relatividad absoluta de la vida, cómo el destino es tan sólo un espectáculo de marionetas donde los actores son intercambiables sin ningún problema. Caras, personalidades, aspiraciones, deseos, temores, odios, ilusiones… son sólo matices en un torrente que no puede ser detenido. Vistos muy de cerca, a cámara lenta, es posible que distingamos, con atención, uno de otro, pero en cuanto nos alejamos, vemos que no hay diferencia alguna. Para el Beto, ese torrente es la vida: imposible de parar.
Nos la muestra fijándose en tres jóvenes: Miguel, que acaba de salir de un coma, y sus amigos Lita y Romeo. Miguel, tras un año dormido, vive la vida a cámara lenta. La dificultad de sus movimientos se transmite a su percepción y se transforma en un testigo de excepción, que es capaz de detener es flujo por momentos y percibir todos sus matices. Apenas un segundo, pero lo justo para darse cuenta de que son simples y pequeños detalles. Como es habitual en las últimas obras de Hernández, los simbolismos se convierten en omnipresentes, permitiendo que su obra se transforme en un caleidoscopio, que cambia en cada nueva lectura.
Sin embargo, Pereza nos tiene reservada una increíble sorpresa: en un momento dado, Hernández cambia las marionetas de su espectáculo y la perspectiva de la obra cambia completamente. Deja de ser un drama sobre la juventud y sus problemas para salir del torrente. La realidad sigue allí, en las viñetas, pero hemos salido de ella para contemplarla desde otra perspectiva, más global. Nos damos cuenta entonces de lo relativo de los detalles, de la poca importancia de lo pequeño para ver, por primera vez, la totalidad de la vida. Y nos provoca un terrible sudor frío porque nos hace conscientes de lo aleatorio de nuestra existencia.
Afortunadamente, Beto nos dejará una puerta abierta. Un camino sin escribir que deberemos elegir si surcar o no. Una ligera esperanza para decidir si todo es un inmensa rueda donde el individuo no existe más que como un detalle insignificante o, si por el contrario, tiene un mínimo control sobre su propia existencia.
Una obra para leer y releer.

Valoración: (4)
(0): Malo. (1): Aprobado, legible. (2): Bien, aspectos interesantes. (3): Notable, interesante.(4): Excelente. Muy bueno. (5): Obra Maestra.

Ficha técnica
- Pereza, de Gilbert Hernandez. 128 págs. BN. Cartoné. Precio: 11,95 €

Más información, aquí.

La historia del tebeo

Supongo que nadie dudará que la historieta tiene una amplia y rica historia, pero si alguien quisiera realizar una investigación sobre este tema, es más que probable que pusiese en tela de juicio esta afirmación. Basta darse una vuelta por algún buscador de Internet o por alguna biblioteca para comprobar que el número de publicaciones existentes sobre la historia del tebeo es prácticamente nulo. Y tranquilos, en este caso no es problema sólo español: la situación se repite a lo largo y ancho del mundo, incluyendo por supuesto a nuestros vecinos franceses, que tanto y tan bien cuidan a su tebeo, pero que, paradójicamente, apenas tienen libros sobre la historia del noveno arte.

Una de las iniciativas más completas que se conoce sobre la historia del tebeo nace, precisamente, en España, a mediados de los 80. La Historia de los Cómics editada por Josep Toutain y dirigida por Javier Coma sigue siendo hoy uno de los referentes ineludibles para cualquier aficionado al tebeo de cualquier parte del mundo, pero que sufre, es lógico, del ineludible paso del tiempo, fatal para cualquier historiografía que se precie.

Curiosamente, veinticinco años después de aquella iniciativa, nace otra similar también en España: Del tebeo al manga. Una historia de los cómics, publicada por la Editorial Panini y dirigida por Antoni Guiral y cuyo primer volumen, dedicado a los cómics de prensa, apareció coincidiendo con el Salón del Cómic de Barcelona.

Leído ya este primer volumen sólo puedo que descubrirme. Guiral ha conseguido en este primer volumen un exquisito equilibrio entre didáctica y rigurosidad, planteando un completo recorrido por la historia de la tira diaria, desde sus inicios hasta casi la actualidad, documentado hasta la exageración y aportando una cantidad de datos espectacular pero que en ningún momento se hace farragoso o pesado, antes al contrario, logra que la lectura sea fluida y entretenida. Un difícil reto que se gana emplazando adecuadamente el cómic en su contexto histórico, permitiendo al lector apreciar y comprender el flujo histórico que lleva a la evolución de la tira diaria, engranando las temáticas y estilos con la coyuntura social y artística de cada época.

Los diferentes despieces incluyen desde biografías autores hasta el desarrollo de pequeños puntos sobre la historia del tebeo, incluyendo una necesaria y útil cronología auxiliar que ayuda a todavía más, si cabe, al lector.

Sólo por este volumen ya valdría la pena comprar el total de la obra, sin duda alguna, pero su buen resultado permite augurar que nos encontramos en las puertas de una de las obras más importantes sobre la historia del tebeo que se hayan escrito jamás.

Una obra de obligada compra y estudio por el aficionado.

Lunas de Papel

Estaba yo meditabundo estos meses, me faltaba algo y no tenía muy claro lo que era. Tanta novedad, tantas páginas y tanta lectura, pero uno sentía esa punzadita interna que, cual consciencia cojonera, le decía que sí, que todo lo leído estaba muy bien, con sus más y sus menos, desde lo olvidable a lo sublime, pero que en todo ese chaparrón quedaba un huequecito que no se podía cubrir de ninguna manera. Vale, que no es como para montar un profundo drama existencial, pero es un sinsabor que a uno siempre le molesta.

Y seguía yo inmerso en mis divagaciones, cuando descubrí que la pieza perdida tenía nombre y apellido: Fermín Solís. Nada más abrir la primera página de Lunas de Papel, su última obra, me percaté de la placentera sensación que uno siempre tiene al leer una obra de este hombre. Cosa de meigas extremeñas, si las hubiera o hubiese, digo yo, pero es que pese a que los aficionados a los tebeos tenemos un corazón áspero y resabido, el bueno de Fermín se ha ganado a pulso un lugar en él. Cuando no tenemos la obligada dosis de sus tebeos, pues como que uno se siente un pelín peor.

Pese a que Solís es culo de mal asiento y a cada nueva obra nos sorprende con un nuevo cambio, en una suerte de cabriola sin fin, todos sus tebeos consiguen fácilmente llegar al lector. Tiene una capacidad innata para contar historias, que lo convierte en una especie de abuelito que nos cuenta historias al acostarnos: da igual lo que nos cuente, ya sea una de superhéroes, de detectives o su propia vida, logrará siempre que lo escuchemos atentamente maravillados.

Así que arrópense bien y dejen que Fermín les cuente su última historia, Lunas de papel, un relato de género negro a la antigua usanza, con protagonistas perdedores que, como Cornelius Moon, ya están de vuelta de todo. Fotógrafo de fama en su día, ahora triste responsable de un videoclub tras beberse todas sus ganancias, Cornelius tendrá que enfundarse el traje de investigador privado para enfrentarse con su pasado, buscando a la protagonista de una de sus fotos. Un tema clásico que le permite a Fermín jugar y divertirse con los tópicos del género, desde la seductora clienta prototipo de la femme-fatale a los peligrosos ambientes del submundo mafioso, componiendo una trama de apariencias y engaños que recuerda poderosamente a las intrincadas novelas de Ross McDonald.

Un buen tebeo al que hay que añadir el afortunado debut de Fermín en el color y el formato álbum europeo. Acostumbrado a tamaños de página más pequeños, no cae en la tentación de aumentar sus viñetas, sino que aprovecha la página para componer y narrar con soltura, que se apoya además en la elegante paleta de colores elegida, que consigue una espléndida atmósfera para el tebeo.

A ver si vemos pronto la próxima obra de Fermín…

Valoración: (3)

(0): Malo. (1): Aprobado, legible. (2): Bien, aspectos interesantes. (3): Notable, interesante.(4): Excelente. Muy bueno. (5): Obra Maestra.

Ficha técnica:

- Lunas de Papel. Una aventura de Cornelius Moon. Dibbuks  21 x 29,7. 48  págs. Color. Encuadernado en rústica. PVP:10€

Enlaces:
- Página web de Fermín Solís.

El Capitán Trueno comienza su cuenta atrás

El festival de Cannes acoge la presentacion del proyecto de adaptación cinematográfica de El Capitán Trueno, la creación de Mora y Ambrós. La pelicula, producida por Maltés Producciones y dirigida por Pau Vergara, verá la luz en 2009 y cuenta ya con un impresionante cartel de Miguel Mesas, autor también del espectacular teaser que se acaba de presentar.

Sturmtruppen

Mi capacidad de sorpresa ha quedado fulminada este Salón. Hecha trizas gracias a unos editores que se empeñan en sacar al mercado tebeos que servidor pensaba que jamás vería en castellano o que, sencillamente, ya había perdido la esperanza de volver a ver publicados dignamente. Aunque debo reconocer que el caso que nos ocupa me ha supuesto una sorpresa doble, porque la reaparición de la editorial Nueva Frontera, en su remozada versión de Nuevas Fronteras del Arte, es una de esas que nunca jamás hubiese esperado. Para los más jóvenes, recordar que antes de las luchas Marvel/DC, Planeta/Norma o Panini/Planeta, en este país sólo había un enfrentamiento comiquero, entre Nueva Frontera y Toutain Editor, las grandes editoriales de tebeos en este país, responsables de revistas como TOTEM, Blue Jeans o Bumerang la primera y de 1984, Creepy o Comix Internacional la segunda.

A lo que iba. Precisamente la primera publicó, años ha, una de las mejores tiras diarias de la historia: Sturmtruppen, del italiano Bonvi. Una sátira feroz y salvaje de la Segunda Guerra Mundial, vista desde el bando nazi, que trasciende a sus personajes y se convierte en uno de los alegatos antimilitaristas más contundentes que puedo recordar. El humor de Bonvi no admite matices: es mordaz y zahiriente, dejando que el lector crea que aparentemente queda abierta una puerta para una cierta ternura hacia sus personajes cuando la realidad es que es tan sólo una trampa hábilmente urdida para que su mensaje sea todavía más rotundo. Casi cuarenta años después de que la creara, la lectura hoy de Sturmtruppen sigue siendo tan cáustica como entonces, manteniendo una calidad media envidiable que demuestra la genialidad de un autor que continuó la serie hasta su prematura muerte en 1995.

La recopilación que edita ahora Nuevas Fronteras del Arte, en formato álbum, recupera una de las mejores obras de la historia del tebeo. Espero que la edición no se detenga en este primer álbum y que sea la antesala de la recuperación de otras obras clásicas de este autor (como la genial Después de la bomba) o de otros autores de humor italianos inexplicablemente inéditos en España, como Jacovitti.

Valoración: (4)
(0): Malo, (1): Aprobado, legible. (2): Bien, aspectos interesantes. (3): Notable, interesante.(4): Excelente. Muy bueno. (5): Obra Maestra.

Ficha Técnica:

- Sturmtruppen, de Bonvi. Editorial Nuevas Fronteras del Arte. Álbum 21x29 cms, tapa dura 64 páginas b/n. 12€

Enlaces:

Página web oficial de Bonvi